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Martha Wainwright au Vieux Théâtre de Terrebonne

Contrairement à son frère, dont la carrière s’est déployée aux quatre coins de la planète, elle est restée solidement ancrée à Montréal, nourrissant un lien direct avec le public québécois.

Au fil des années, elle s’est aussi distinguée par sa capacité à habiter d’autres répertoires, notamment avec ses relectures d’Édith Piaf, où elle s’approprie cette œuvre magistrale dans une interprétation brute, fragile et paradoxalement forte, profondément personnelle. À cela s’ajoute une tradition familiale bien vivante, alors qu’elle retrouve régulièrement Rufus sur scène pour des spectacles de Noël qui prolongent, à leur manière, l’héritage des McGarrigle. Chez les Wainwright, la scène n’est jamais bien loin de la maison.

Un premier album qui déchire

Vingt ans plus tard, Martha Wainwright revient à ce disque fondateur avec un regard lucide. Dans le texte qui accompagne le spectacle, elle replonge dans cette période déterminante où se succédaient les spectacles dans les bars, les cassettes vendues après les shows, de longues années à chercher sa voix sans savoir si elle serait entendue.

Dix ans à écrire, à tourner, à tomber et se relever, à apprendre le métier sur scène. Ce premier disque, dit-elle, raconte cette traversée-là — une vie en train de se faire, sans garantie de lendemain.

Ceux qui découvriront l’album le 26 avril ressentiront toute cette fougue, caractéristique aux premières prises de parole artistiques, le tout dans une honnêteté crue et décomplexée. On peut penser à Jagged Little Pill, d’Alanis Morissette, sorti dix ans avant celui de Martha Wainwright, comme une influence crédible. On y retrouve cette même façon de transformer une blessure intime en déclaration frontale. Mais là où Morissette explose, dans You Oughta Know par exemple, Wainwright nous prend par la main, s’installe sous un projecteur tamisé et prend le temps de nommer la blessure — une charge qui passe notamment par Bloody Mother Fucking Asshole, pièce centrale de l’album.

Donc, vingt ans plus tard, avec plusieurs albums derrière elle, des enfants, et une carrière toujours bien vivante, elle revient à ces chansons qui l’ont faite.

Sur scène, elle rejoue l’album dans son intégralité, sans nostalgie forcée, mais avec la conscience du chemin parcouru. Parce qu’au fond, comme elle le résume elle-même, il n’y a pas de Martha à 48 ans sans celle de 28.

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Voyage dans un Bunker à ciel ouvert avec Major & Moran

Le Théâtre du Vieux-Terrebonne représente depuis toujours un lieu mythique pour le couple Major-Moran. C’est lors d’une deuxième rencontre dans cette salle de spectacle que la flamme s’est allumée entre eux. Y présenter un spectacle sur cette scène s’annonce mémorable pour les deux artistes. Le programme de la soirée du 9 avril aussi.

Occuper la scène ensemble, faire une première tournée en duo, constitue une nouvelle expérience pour les deux artistes, menant chacun leur propre carrière. « On a beau habiter ensemble, on est vraiment très occupés et puis, on a quatre enfants, donc on est tout le temps dans le jus. Ce sera comme une forme de retrouvailles », s’en amuse Catherine Major, en entrevue avec La Voix.

Un long partenariat

Certes, leur collaboration n’est pas nouvelle. En couple depuis plus de 17 ans, les partenaires collaborent depuis longtemps, échangeant souvent textes et musiques pour leurs albums respectifs, en dehors de leur collaborations externes.

Catherine compose des musiques pour d’autres artistes, elle a tout récemment ajouté Marina Orsini à sa liste, tandis que son acolyte écrit aussi pour d’autres artistes, dont Luce Dufault et Sylvie Paquette, lui qui s’était fait connaître en remportant Ma première place des arts, en 2005.

Qu’attendaient-ils pour faire concevoir un album commun ? Les choses se sont placées progressivement. Le couple a évolué, tente d’expliquer la chanteuse.

« Avant, nous n’étions pas prêts au niveau créatif. Travailler à deux demande un certain laisser-aller, puis il faut faire des compromis, penser au couple à travers les enfants et la vie nous a appris à être humain là-dedans. Puis enfin, le bon moment est arrivé », confie Catherine Major.

Deux personnes se font face en extérieur, dans un paysage flou, l’une touchant le menton de l’autre dans un moment calme et rapproché.
Photo courtoisie

L’amour, l’amitié, la famille

En termes de contenu, les thèmes se sont imposés d’eux-mêmes : l’amour, l’amitié, la famille. Des textes profonds exprimés avec des mots simples et teintés de poésie. Les deux artistes les chantent sans fausse pudeur, connectés à leurs émotions.

Si le binôme Major-Moran partage tout ou presque, chacun d’eux l’exprime différemment. Catherine compose la musique, Jeff écrit les textes. Mais sur scène, ce sont deux capitaines à bord de même navire, aussi ont-ils dû trouver leurs marques.

Celle de la portion musicale s’est inscrite il y a fort longtemps dans les spectacles de la chanteuse qui s’accompagne toujours au piano.

Il faut dire que la musique fait partie de sa vie depuis l’enfance, elle qui a même présenté des concerts de piano classique durant sa jeunesse, avant de remporter la finale en chanson du Festival en chanson de Petite-Vallée en 2002.

Un duo sur scène

Sur la scène, les deux artistes proposent une complémentarité. Catherine s’accompagne au piano, Jeff parfois à la guitare, en plus des trois musiciens qui s’ajoutent à eux.

Ils chantent en duo, mais se réservent aussi quelques pièces en mode solo. Juste quelques pièces de leur répertoire respectif, l’ensemble du spectacle reprenant essentiellement les dix pièces de l’album Bunker à ciel ouvert.

« Sur scène, c’est un moment d’amour et d’humour. On a beaucoup d’humour, Jeff et moi, et je pense que ça transparait sur scène. Et on est très réceptifs sur scène », assure Catherine Major.

Cette dernière promet aux spectateurs une soirée qui se déroulera « comme un voyage dans un album extrêmement musical ».

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Seul au cinéma : l’album né d’une journée pluvieuse

L’idée remonte à 2023. L’auteur-compositeur était alors de passage dans la région pour un spectacle. Comme souvent en tournée, les heures précédant la représentation laissent beaucoup de temps à meubler. « On arrive tôt, on fait le test de son… puis on attend longtemps que le spectacle commence », raconte-t-il.

Ce jour-là, on lui propose d’aller passer l’après-midi dans un cinéma voisin. « Je me suis promené de salle en salle. Il pleuvait, il n’y avait presque personne. Je me sentais vraiment seul. Cette expérience-là est restée avec moi », explique Bazini. Cette impression de solitude deviendra le point de départ du projet.

L’artiste imagine alors un album construit un peu comme un film. Certaines chansons sont très courtes, presque comme des fragments d’histoire, tandis que d’autres prennent leur temps pour installer l’ambiance. Même les bruits captés dans le cinéma – ses pas dans les corridors ou les sons ambiants – se retrouveront dans l’univers sonore du disque.

Sortir de sa zone de confort

Mais le véritable défi de ce projet était ailleurs : écrire en français pour la première fois.

Après plusieurs albums en anglais, Bazini admet que le passage vers sa langue maternelle représente un saut dans l’inconnu. « Ça a été sortir de ma zone de confort », résume-t-il.

Pendant longtemps, l’écriture est restée bloquée. Puis une chanson a tout débloqué : Février et le mauve, qui ouvre l’album et en annonce les thèmes, notamment la quête identitaire et la solitude de la scène. « Des fois, il suffit d’une chanson qui devient un peu l’ancre du projet. Après ça, tout débloque », explique-t-il.

Un retour vers soi

Ce virage vers le français s’est accompagné d’une réflexion plus personnelle. Pendant la création de l’album, Bazini a décidé de retourner terminer ses études secondaires.

Un moment anodin – recevoir sa carte étudiante – a provoqué un déclic. Celui qui a tourné une vidéo inspirante dans le cadre des Journées de la persévérance scolaire raconte : « Quand j’ai vu mon nom, Bobby Bazinet, sur la carte, ça m’a frappé. Je me suis rendu compte que j’avais presque deux identités : mon nom d’artiste et mon vrai nom. »

Pour lui, ce disque n’est pas un projet parallèle. « Pour moi, ce n’est pas un album à côté. Je le vois vraiment comme mon sixième album », affirme-t-il.

Et surtout, cette plongée dans le français lui a permis de redécouvrir sa propre langue. « C’est une langue magnifique et très riche. Jusqu’à la fin du projet, je changeais encore des mots pour trouver les plus beaux. »

Bobby Bazini présentera ce spectacle le 28 mars au Théâtre du Vieux-Terrebonne.

Une façon, peut-être, de boucler la boucle : partir d’un cinéma presque vide… pour retrouver une salle pleine.

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Patrice L’Écuyer : Après seulement 32 ans d’absence sur scène

Un retour qu’il aborde avec enthousiasme, même si l’exercice l’a d’abord déstabilisé.

« Ce qui me terrorisait, c’est que le sujet, c’est moi, révèle-t-il. J’avais peur que ça n’intéresse personne. »

Habitué à interpréter des textes et à incarner des personnages, l’animateur et comédien plonge cette fois dans son propre vécu. Un virage intime, où il partage anecdotes personnelles et souvenirs professionnels avec humour et autodérision.

Des débuts façonnés par le théâtre et l’impro

Bien avant de devenir une figure familière du petit écran, Patrice L’Ecuyer a multiplié les rôles au théâtre, notamment au Théâtre du Nouveau Monde et au Théâtre Jean-Duceppe à Montréal. Pendant dix ans, il « n’a fait que jouer », acceptant tous les projets possibles.

« Il faut toujours faire le plus de trucs possibles pour se faire remarquer quelque part, dit-il. C’est de la chance, il faut travailler fort, mais il faut rencontrer le monde au bon moment. »

Sa participation à la Ligue nationale d’improvisation (LNI), où il a été nommé joueur le plus populaire en 1988, a servi de tremplin. « C’était comme une grande audition, confirme-t-il. On voulait se faire connaître. Bien paraître ».

L’animation et la reconnaissance… sans en avoir conscience

Le grand public l’a ensuite découvert comme animateur, notamment à la barre de L’union fait la force et de son talk-show Le show de L’Écuyer, qu’il considère comme l’une de ses plus grandes fiertés. Pourtant, malgré la popularité, il affirme ne pas avoir pleinement réalisé l’ampleur de son succès.

« Je travaillais tellement que je ne voyais pas. Pendant qu’on le fait, on n’a pas cette pression-là. On n’a pas conscience de ça. Des fois, j’avais deux émissions de radio chaque jour. »

Ce rythme effréné lui a toutefois apporté beaucoup de confiance; confiance qui l’a ramené sur les planches d’une scène, où le sujet principal est lui-même. Sa dernière apparition sur scène remontait à 1993, aux côtés de Bernard Fortin, dans Merci beaucoup. Cette fois, il se retrouve seul face au public.

Patrice L’Écuyer parle dès l’ouverture du spectacle avec humilité, presque incrédulité par rapport à sa carrière et à quel point il a toujours senti « avoir grandi devant les gens à la télévision ». Une occasion pour les gens de connaitre le « Patrice » à l’extérieur de la caméra et des textes de théâtre. Parler d’un Patrice qui se livre sur qui il est.


« Les gens avaient l’impression qu’on connaissait Patrice depuis toujours, confie-t-il. Après le spectacle, les gens affirment que maintenant, ils me connaissent [vraiment] ».

Le plaisir d’être là

Au-delà de la carrière, des succès et des décennies passées sous les projecteurs, Patrice L’Écuyer affirme que ce qu’il préfère aujourd’hui, c’est simplement être sur scène.

« C’est ce que je préfère : être sur scène », soutient-il.

Son spectacle, authentique et empreint d’humanité, offre l’occasion de redécouvrir un artiste aimé du public sous un jour plus personnel. Sans écran, sans montage, simplement lui.

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Steve Hill de passage à Terrebonne

Sorti le 1er novembre 2024, Hangin’ On A String s’inscrit dans la continuité du parcours musical de Hill, quelque part entre le blues et le rock. « Dans la vie, je pense que je fais du blues-rock. Des fois ça penche plus du côté du blues, des fois plus du côté du rock. Pour moi, cet album-là penche plus du côté du rock », explique le musicien.

Avec le temps, Hill dit avoir cessé de vouloir définir précisément son style. « Où c’est que l’un commence et l’autre finit, j’ai arrêté de me poser des questions avec ça. J’y vais avec l’inspiration », résume-t-il.

L’album a été enregistré au célèbre Studio 606 de Dave Grohl, à Los Angeles, dans des conditions qui laissent toute la place à la performance. « On a fait ça live en studio en cinq jours. C’est bien cru. Il y a beaucoup d’énergie sur l’album », raconte Hill.

Cette approche se transpose naturellement sur scène, où les pièces trouvent toute leur ampleur. « Ces chansons-là fonctionnent vraiment bien en spectacle. Ça a été fait pour jouer en show aussi », ajoute-t-il.

Reconnu pour sa formule one-man-band, Hill occupe la scène avec guitare, percussions et voix, une approche qui lui permet de livrer des performances particulièrement intenses. Après plus de trois décennies de carrière et des milliers de spectacles, la passion demeure intacte.

« Je suis encore comme un ado au point de vue de la passion pour la musique. Je ne me tanne pas. Je tripe ces guitares encore autant, sinon plus », confie-t-il.

Cette énergie, Hill la canalise toujours dans un objectif simple : offrir le meilleur spectacle possible. « Ma vie est vraiment axée sur donner des bons shows. Je mets toutes les chances de mon bord pour donner tout le temps le meilleur show possible », affirme-t-il.

Le spectacle présenté à Terrebonne le 12 mars à 20 h permettra au public de découvrir les pièces de Hangin’ On A String dans leur environnement naturel : la scène.

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Verdict 2, parce que les procès attirent les foules

Ce spectacle théâtral abordant divers débats de société inspirés par de réels procès judiciaires ayant défrayé les manchettes est une adaptation de Nathalie Roy et Yves Thériault dans une mise en scène de Michel-Maxime Legault.

Il s’agit d’un retour de Paul Doucet dans le rôle de l’un des deux avocats, alors que sa consœur féminine prendra le visage de Sonia Vachon, que l’on connait surtout pour ses rôles un tantinet comique. Camper un personnage nettement plus sérieux est une première pour elle.

Un rôle qu’elle a spontanément accepté sans même avoir vu Verdict 1. « Quand on m’a appelée pour m’offrir de jouer dans Verdict II, je me suis dit : oui, il faut que je le fasse. Mais c’est tout un défi », affirme la comédienne, qui aborde ainsi un tout nouveau registre de jeu.

Procès connus

C’est que les textes sont sérieux. Imaginez, durant 1 h 50 (avec entracte), seuls sur scène, les deux comédiens abordent des procès marquants du Québec en exposant leurs plaidoiries. Il sera question du procès du caporal Lortie à l’Assemblée nationale, de celui de Sophie Chiasson contre Jeff Fillion.

Bien sûr, les comédiens ne reprennent pas les rôles des vrais avocats représentant ces accusés, mais agissent en tant qu’avocats.

Et l’exploit de la pièce tient au fait qu’on y reprend en quelques minutes des plaidoiries s’étant étalées sur plusieurs jours. On cherche à susciter l’intérêt du public et une réflexion, grâce à une contextualisation narrée.

Or, cela représente pour les comédiens un double défi, celui de l’interprétation à deux et d’une rigueur sans faute puisqu’il faut respecter le vocabulaire judiciaire avec son mode typique de discourir à la cour afin de rendre l’exercice crédible, comme le signale la comédienne Sonia Vachon.

Rôle éducatif

Et cet exercice permettra peut-être aussi de mieux comprendre les rouages d’un système judiciaire, si souvent critiqué. Sonia Vachon pense qu’effectivement, le propos de la pièce joue un peu un rôle éducatif.  « C’est de voir quelle approche chaque avocat a pris pour faire valoir son point. Moi, c’est la première fois aussi que je vois ça comme ça parce qu’on n’est pas tous appelés à assister à un procès. Rares sont les gens qui assistent à des procès. Ça donne une idée aussi de ce que c’est la justice. »

« J’ai une amie qui est juge et qui est venue voir la pièce. Elle m’a dit : « ça fait du bien qu’on parle de la justice de cette façon » », confie la comédienne.

Elle-même estime qu’il s’agit d’une chance pour une comédienne de participer à ce type de projet théâtral, qui lui permet d’en apprendre davantage sur le déroulement d’un réel procès, surtout de la difficulté de porter un jugement. « Ça nous permet aussi de voir un peu le processus. Qu’est-ce que c’est une plaidoirie? Qu’est-ce qu’on apprend lors des plaidoiries? Et moi, je retire une fierté de ces procès. Ce sont des procès québécois. Et à la suite de ces procès, il y a eu des modifications de loi, et c’est ce qui est extraordinaire : on apprend des choses. Moi j’ai été renversée à la première lecture, lorsque Paul a lu la plaidoirie pour Denis Lortie. J’ai dit : Ah, mon Dieu, on ne savait pas ça. »

Autre particularité de Verdict II, tout comme sa première mouture, le dénouement final réside aussi dans son concept interactif. Après la tenue des plaidoiries, on confie au public le rôle de juré et de se prononcer sur un verdict : coupable ou non coupable à main levée. Puis, les comédiens dévoileront la vraie sentence, juste avant que le rideau ne tombe.